En el mercado del arte contemporáneo, la mayoría de los artistas pintan bajo la presión de las galerías y las modas. Luis Navarro Buñuel fue la excepción. Durante décadas, su obra se mantuvo en un círculo íntimo y privado, protegida por una profesión que le daba el sustento y la libertad: la guitarra profesional.
Un artista que no necesitaba vender
Desde que se trasladó a Francia en 1960, Navarro vivió una dualidad fascinante. En las noches de la Costa Azul, en ciudades como Niza y Cannes, era un guitarrista de prestigio que actuaba en los establecimientos más exclusivos. Esta independencia económica fue el “escudo” de su arte. Como él mismo afirmaba: “Pinto lo que siento, no lo que veo”. Al no depender de la venta de sus cuadros para vivir, nunca se vio obligado a comprometer su estilo ni a producir en serie.
El ritmo de la pintura
Quienes analizan su obra, como Christophe Penot, notan que sus pinceladas tienen un ritmo musical. Sus figuras sin rostro no son estáticas; parecen moverse en una danza silenciosa, una “cadencia trágica” que recuerda al flamenco y a la guitarra que lo acompañó toda la vida.
Su amigo Stéphane Cherki relata que Navarro a menudo se negaba a desprenderse de sus pinturas. Pintaba para sí mismo, en el secreto de su estudio, acumulando un tesoro de más de 400 óleos que solo unos pocos coleccionistas adinerados lograban adquirir en aquel entonces.
Un legado de pureza
Esta historia es lo que hace que hoy, encontrar una obra de Luis Navarro disponible, sea una oportunidad tan rara. Sus cuadros no nacieron de un encargo comercial, sino de una necesidad vital de expresión. Como dijo la galerista Katia Granoff, su arte “esquiva lo común” porque nació de la libertad absoluta de quien no tiene nada que demostrar al mercado, pero mucho que decir al alma.
La música y la pintura se funden en cada una de las piezas de Luis Navarro Buñuel. Al adquirir una de sus obras, usted no solo compra un lienzo, sino el resultado de una vida dedicada al arte sin concesiones.
